Até 1994, era fácil andar por Ipanema ou Leblon e esbarrar com o maestro Antonio Carlos Jobim, o compositor brasileiro que fez a trilha sonora de uma cidade (Rio de Janeiro) e do país. Tom Jobim, foi um dos músicos mais influentes do século 20 e é, ainda hoje, um dos mais ouvidos. Entrando em dezembro de 2024, estaremos 30 anos sem sua música e ele faz muita falta. Afinal, poucos artistas conseguiram unir sofisticação musical, alcance popular e relevância cultural como ele. Mais do que um músico, Jobim foi um arquiteto sonoro que colocou a música brasileira no mapa global, transformando-a em um idioma universal.

Do nascimento da Bossa Nova ao reconhecimento internacional, suas contribuições vão além de melodias imortais. Ele personificou uma visão artística que mesclava poesia, ecologia e inovação, deixando um legado que resiste ao tempo.

Nascido em 1927, no Rio de Janeiro, Jobim cresceu perto de Ipanema. Tocava violão e piano desde pequeno. Seus primeiros passos profissionais foi como arquiteto (afinal, “bem nascido”, as expectativas familiares não era que ele fosse boêmio ou músico), mas, segundo ele, a música e o estilo de Duke Ellington e outros artistas parecidos o fizeram mudar de ideia e se dedicar à música integralmente. Logo estava se apresentando em “inferninhos” cariocas.

De tocar composições dos outros para criar as suas foi rápido, já no final dos anos 1940s ele já tinha suas próprias canções e trabalhava como arranjador para uma grande gravadora brasileira. Rapidamente ganhou prestígio e reconhecimento. Com o violonista Luis Bonfá, escreveu a trilha sonora para Orfeu Negro (que recontou o mito de Orfeu no cenário do Carnaval brasileiro), sendo que além de incluir os clássicos Felicidade e Manhã de Carnaval, o filme foi um sucesso mundial e ganhou um Oscar de melhor filme estrangeiro em 1959.

A essa altura, já diretor musical da Odeon Records, Jobim colaborava com João Gilberto e Vinícius de Moraes, inventando um som que misturava samba e jazz e que foi batizado como bossa nova, um gênero que viria não apenas definir a música brasileira como elevá-lo ao estrelato mundial.

Suave e sofisticada: a Bossa Nova

Nos anos 1950, a música brasileira vivia um momento de transição, mas Jobim estava no auge criativo. Entre o samba tradicional e as influências internacionais, ele foi pioneiro em une o samba tradicional ao jazz americano, criando assim a Bossa Nova. O gênero intimista e refinado uniu o melhor desses mundos, com o nome de Antonio Carlos Jobim sendo vital para “arquitetar essa revolução”.

Tudo começou com Chega de Saudade, composta por Jobim com letra de Vinicius de Moraes e gravada por João Gilberto em 1958. Essa canção é considerada o marco zero da Bossa Nova e destaca a delicadeza dos arranjos de Jobim e sua harmonia sofisticada. Foi sucesso imediato.

Chega de Saudade deu início a uma série de obras-primas que consolidaram o gênero. O estilo descontraído, marcado por melodias suaves e letras poéticas, refletia o Brasil de um período otimista e esperançoso.

A bossa nova também pintou um Rio de Janeiro idealizado, calmo, sexy, transformando bairros como Copacabana, Gávea, e sobretudo Ipanema, como referências Pop e sofisticadas. O parceiro mais relevante desse período, além de Gilberto, foi o poeta Vinicius de Moraes. Juntos, criaram clássicos como Garota de Ipanema (que rendem um Grammy e é até hoje uma das músicas mais gravadas na história), Insensatez e Águas de Março, para citar apenas três. A colaboração dos dois foi crucial para a consagração da música brasileira.

O sucesso da bossa nova se tornou tão forte que Frank Sinatra gravou dois álbuns com Jobim, popularizando a Bossa Nova mundialmente.

As sinfonias e o ambientalismo

Além de canções populares, Tom Jobim investiu seu talento em projetos mais complexos, como Matita Perê (1973), um álbum que combina música brasileira, jazz e música erudita.
e Urubu (1976), um trabalho que reflete seu amor pela natureza e explora temas mais densos, com arranjos orquestrais sofisticados.

Apaixonado pela natureza e a diversidade da fauna e flora brasileiras, ele inseriu em sua obra sua visão romântica e ecológica, antecipando discussões modernas sobre a preservação ambiental, porque ele acreditava que a música era uma forma de celebrar e preservar a natureza.

Seu sítio em Poço Fundo era um refúgio onde ele encontrava inspiração. A conexão com o meio ambiente foi uma constante em sua obra, antecipando discussões sobre sustentabilidade e ecologia.

A morte inesperada em 1994

No final de 1994, Jobim viajou para Nova York para um tratamento de artérias bloqueada, mas morreu por insuficiência cardíaca no Mount Sinai Medical Center em Manhattan. Ele tinha 67 anos. Três décadas depois, sua ausência ainda é muito sentida, mesmo deixando um legado imensurável. Sua música transcendeu fronteiras, unindo sofisticação e acessibilidade de forma única.

Mais do que um músico, Antonio Carlos Jobim foi um embaixador cultural, que mostrou ao mundo a beleza e a riqueza da música brasileira. Seu nome permanece sinônimo de excelência artística, e sua obra, uma celebração da poesia, da natureza e da humanidade. E deixou muita saudade.

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