Dez anos após sua morte, completados em 10 de janeiro de 2026, David Bowie não deve apenas ser lembrado. Ele merece ser revisitado, reinterpretado, redescoberto. Poucos artistas resistem ao tempo dessa maneira: não como monumentos estáticos, mas como forças ainda em movimento. Falar de Bowie não é enumerar sucessos; é mapear mudanças culturais. Vamos lembrar dez fatos que ajudam a entender por que ele permanece uma das figuras mais decisivas da arte moderna.

1. Bowie transformou identidade em linguagem artística.

Muito antes de a discussão sobre gênero, performance e identidade ocupar o centro do debate cultural, Bowie já fazia do próprio corpo um campo de experimentação estética. Ziggy Stardust, Aladdin Sane, o Thin White Duke: não eram personagens no sentido teatral, mas dispositivos artísticos para explorar desejo, alienação, fama e ambiguidade. Ele não apenas cantava sobre transformação, ele a encarnava. Para gerações que buscavam permissão para existir fora da norma, Bowie foi a prova de que identidade também é criação.

2. Ele redefiniu o que um artista pop podia ser.

Bowie nunca aceitou o lugar confortável do ídolo previsível. Cada fase desmontava a anterior: do folk ao glam, do soul ao eletrônico, do experimental berlinense ao pop sofisticado dos anos 1980. Em vez de proteger uma marca, ele a sabotava. Essa recusa em se repetir criou um novo modelo de carreira artística: não linear, não dependente de um único estilo, aberta ao risco. Sem Bowie, é difícil imaginar trajetórias como as de Madonna, Radiohead, Björk ou Lady Gaga.

3. Ele ajudou a legitimar o rock como arte conceitual.

Álbuns como The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, Station to Station e Low não são apenas coleções de músicas, mas obras estruturadas por ideias. Bowie trouxe para o mainstream do rock elementos de teatro, literatura, artes visuais e filosofia. A música popular deixou de ser apenas entretenimento: tornou-se também projeto estético. Hoje, quando falamos de “eras” e “conceitos” na música pop, estamos falando de uma herança que ele ajudou a criar.

4. Sua fase em Berlim mudou os rumos da música contemporânea.

Entre 1976 e 1979, Bowie produziu a chamada “Trilogia de Berlim” (Low, “Heroes”, Lodger), incorporando eletrônica, ambient, krautrock e experimentação estrutural. Aquilo que parecia estranho e fragmentado à época tornou-se base para o pós-punk, a música eletrônica, o indie e o art rock das décadas seguintes. Joy Division, Depeche Mode, Nine Inch Nails, Arcade Fire: todos dialogam com aquele período em que Bowie decidiu ir contra o mercado para reinventar a linguagem sonora.

5. No cinema, ele foi mais do que um cantor atuando.

Bowie não buscava papéis para “aparecer”; buscava personagens que dialogassem com sua persona artística e com temas de identidade, poder e deslocamento. Em O Homem que Caiu na Terra, tornou-se a própria imagem da alienação moderna.

Em Furyo: Em Nome da Honra (1983), sua atuação como o prisioneiro britânico Jack Celliers é, talvez, a mais impressionante de sua carreira: contida, física, silenciosa, construída muito mais pelo olhar e pela presença do que por falas. O filme de Nagisa Oshima transforma Bowie em corpo político, em símbolo de choque cultural, desejo reprimido e confronto entre códigos morais irreconciliáveis. Não é um “cantor fazendo cinema”; é um ator que entende o personagem como metáfora.

Em Fome de Viver, mistura erotismo e melancolia com rara sofisticação; em Labirinto, cria um ícone pop para uma geração inteira; e em O Grande Truque, sua interpretação de Nikola Tesla sintetiza o Bowie visionário: um homem à frente de seu tempo, incompreendido, mas decisivo. Em todas essas aparições, ele levou para o cinema a mesma lógica que levava à música: o personagem como extensão do pensamento artístico.

6. Ele mudou a história da moda ao transformar estilo em discurso.

Bowie não “seguia tendências”; ele as criava. Maquiagem, cabelos, silhuetas andróginas, figurinos de Kansai Yamamoto, referências ao kabuki, ao expressionismo e à alta-costura: tudo fazia parte de uma narrativa visual. Ao borrar fronteiras entre masculino e feminino no auge dos anos 1970, ele abriu caminhos para que moda e comportamento deixassem de ser meramente decorativos e passassem a ser políticos. O impacto é visível até hoje em passarelas, editoriais e na própria ideia de moda como performance.

7. Sua relação com a arte visual foi estrutural, não ornamental.

Bowie não apenas colecionava arte: ele pensava como artista visual. Estudioso de expressionismo, surrealismo e arte contemporânea, pintava, desenhava e incorporava referências visuais à construção de seus álbuns, clipes e capas. Ele entendia a imagem como narrativa, não como embalagem. Em um mundo cada vez mais dominado pelo visual, Bowie antecipou a figura do artista multimídia: aquele para quem som, imagem, corpo e conceito formam uma única obra.

8. Ele redefiniu o papel do artista como curador cultural.

Bowie não apenas criava: ele apontava caminhos. Ao defender e divulgar artistas como Iggy Pop, Lou Reed, Kraftwerk, Placebo e Arcade Fire, atuou como mediador entre o underground e o grande público. Seu gosto, suas listas, suas entrevistas e seus projetos paralelos ajudaram a legitimar movimentos e carreiras. Em um tempo anterior às redes sociais, Bowie já exercia o papel de “curador”, alguém que não apenas produz, mas organiza e amplia o campo cultural.

9. Sua obra sempre dialogou com o espírito de seu tempo.

Alienação, tecnologia, vigilância, colapso identitário, celebridade como simulacro: temas que hoje parecem centrais já estavam em Bowie décadas atrás. Canções como “Ashes to Ashes”, “Heroes”, “I’m Afraid of Americans” e “Blackstar” não envelheceram porque falam menos de uma época específica e mais de uma condição moderna. Bowie não registrava o presente; ele o interrogava. Por isso sua música continua soando estranhamente atual.

10. Ele transformou a própria morte em gesto artístico final.

Blackstar, lançado dois dias antes de sua morte, não é apenas um álbum: é um testamento estético. Bowie encarou a finitude com a mesma lucidez com que encarou a fama, a identidade e a criação. Ao fazer da despedida uma obra, ele reafirmou algo raro: a arte como forma de pensamento até o último instante. Poucos artistas conseguiram fechar a própria trajetória com tamanha coerência e impacto simbólico.

Dez anos depois, Bowie não é apenas um grande nome do passado. Ele permanece como método, como atitude, como horizonte. Mais do que um artista que influenciou estilos, ele ensinou que a cultura avança quando alguém tem coragem de não se repetir, de não se explicar demais e de tratar a própria existência como linguagem. É por isso que Bowie não é apenas lembrado. Ele continua acontecendo.